Ser y Hacer en el Arte

Hace algunos días el programa de Artes Plásticas y Visuales de la Universidad del Tolima recibió la visita de dos destacados artistas argentinos, el Maestro Ricardo Maldonado y la Maestra Claudia Hajda. El primero compartió su experiencia como artista, pedagogo e investigador visual, con la conferencia Ser y Hacer en el Arte Abstracto. La Maestra Claudia Hajda por su parte ofreció un intenso taller de Arte – Yoga, una formula que en efecto se vincula muy bien e insinúa procesos orgánicos y vitales en cuanto a la creación artística se refiere. Las actividades se coordinaron desde la dirección del programa. A continuación se ofrece, con la autorización y beneplácito del Maestro Ricardo Maldonado, la versión transcrita sobre el registro disponible de la conferencia en horas de la mañana, el pasado 1 de Marzo. Agradezco el permiso para difundir este importante material y aprovecho para invitar a que se pasen por esta web y conozcan un poco más de nuestros ilustres visitantes.

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Iluminaciones

Como dos pájaros dorados posados en un árbol, / están juntos el ego y el Ser. / Uno come lo dulce y lo amargo de las frutas / mientras el otro observa sin comer.

Pensando que somos el ego, / nos sentimos atados y sumidos en la tristeza. / Pero si asumimos que somos el Ser, / nos liberamos de la tristeza. / Cuando realizas el Ser que eres, / la suprema fuente de luz y amor, / trasciendes el bien y el mal / y te mueves hacia un estado de unión.

Bhagavad Gita [Siglo VI a.C.]

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Primera sesión

[…]

entrar en concordancia con tu cuerpo y escuchar las cosas que dice. Por eso estamos precisamente hablando hoy del ser y del hacer, que son dos cosas opuestas, dos cosas que tienen un orden, pero que se entrecruzan, se pegotean y se amalgaman. Muy agradecido a la señora Claudia Ortiz, la directora del programa de Artes Visuales, por haber armado este encuentro tan valioso tanto para mi como para ustedes y agradecer muy especialmente toda la posibilidad que vamos a tener a partir de este primer encuentro, de este primer vinculo con la Universidad.

[…]

Tanto mi país como el de ustedes siempre ha tenido estos disparates, estas cosas surrealistas manejadas por Satanás. Esto de tirar obra, tirar elementos de estudio, tirar la historia,  me ha producido un recordatorio de lo que ha sucedido en nuestro país también con respecto al arte. De todas maneras yo no quiero comparar los países ni tampoco quiero confrontarlos. Esta en nosotros que esto no se repita. Únicamente en nosotros como comunidad de seres pensantes que defienden la carrera o finalmente su elección de ser artistas. Esta en nosotros, no esta en ellos. Si están en algún lado y nos están escuchando depende de nosotros que no aparezcan, que no vuelvan o que no perforen lo que estamos haciendo.  

Cuando hablo de cultura del ser y no del saber es una condición que no puede alterarse, y su permanencia es fundamental para la reevaluación del ser sobre el saber. Acá se produce cierta inclinación en la balanza, si vos no sos no sabes hacer y esa es una condición en el arte muy importante, creo que en todas las disciplinas sucede esto. Pero compactemos el concepto y dediquemonos a lo que estamos planteando que es al ser en el arte y al saber en el arte. Precisamente el arte visual se construye sobre el atributo humano del ser. Si vos no sos un ser humano no podes ser en el arte. Cuando digo ser humano y también lo manifestó nuestro señor decano cuando dijo que el arte tiene esa gran posibilidad de armar nuevos seres, nuevas mentalidades, nuevas estructuras humanas, nuevos conceptos, nuevos universos.

“Esta otra vez lo que decíamos hace un rato con respecto a la suerte de halo de resonancia negativa o boicoteadora que generalmente el artista tiene que sortear.”

  Lógico que nosotros luchamos con un entorno generalmente adverso, el más cercano, familia. A nosotros nos rodean seres que son nuestra familia, los respetamos, los queremos, son nuestros afectos. Pero son boicoteadores y sobre todo con respecto al arte. Les voy a contar una anécdota muy pequeña. Yo tengo un gran amigo, músico y odontologo. La madre le permitió estudiar piano si se recibía de odontologo. Una cosa fachista muy fuerte. Se recibe de odontologo, la madre le compra el equipo de odontología, él con los ahorros de la odontología se compra un cuarto de cola, un piano alemán. La vez pasada lo vi a ver, nuestros padres ya fallecieron, etc, etc. Él atiende un solo día a la semana y cuando no tiene pacientes toca el piano todo el día. Es excelente músico y le dedicó de los cinco días de actividad, uno por respeto a la actividad de la odontología y cuatro días a la música, se dedica a componer, a dirigir, tiene alumnos de música. Esta inclinación sucede cuando vos no te podes desprender del arte, el arte se adhiere, el arte no te lo podes sacar así nomas, deja vestigios. 

El ser aparece cuando vos sentís interés por la visión y por los contenidos visuales. Es el primer síntoma -insisto en esta palabra-, en el cual el arte te hace la primera apertura. El primer contacto yo creo que sucede en tu escuela primaria, que vos tenes que recordarlo o te gustaba dibujar en el pizarrón o tu cuaderno estaba lleno de dibujos o algo pasa.
 
La existencia del ser percibe una masa desordenada de sentimientos que se expresan como formas internas del pensamiento visual, en consonancia y en convivencia con esa luz interna, que es el ser creativo. Hay creo que ya no te podes aparentemente desprender.
 
“No te quedes con la sonrisa de la Gioconda porque de equivocas, no te quedes con el cuerpo de la Maja desnuda de Goya, por que te equivocas, no te quedes con las meninas de Velásquez que están adelante por que te equivocas”.
 
 
 
La práctica artística se activa como pensamiento y emoción, ese estado puro da como resultado la capacidad sensible del ser, el saber ser visual. Nosotros tenemos el aparato visual diferente al de otros seres. Les doy un ejemplo, yo voy al cine con amigos y me siento en el cine y yo veo tres, cuatro, cinco planos en el cine, ellos se quedan con el primer plano, se quedan con la primer piel de la imagen. Entonces hay esta el secreto de nosotros de saber perforar cuando miramos arte. No te quedes con la sonrisa de la Gioconda porque de equivocas, no te quedes con el cuerpo de la Maja desnuda de Goya, por que te equivocas, no te quedes con las meninas de Velásquez que están adelante por que te equivocas. Tenes que perforar y esa es la condición que tenemos los que manejamos y disciplinamos el arte. Cuando vos estas en arte, en bellas artes y en el arte visual y en las artes plásticas, tu ojo es diametralmente diferente a otros ojos, por que entonces… no sabes diferenciar los diez rojos que hay? o todos lo rojos son iguales?

Tenes que tener esta cosa de agudizar y saber los pasajes y saber que no todos los rojos son iguales y saber que hay rojos que dicen una cosa y otros que dicen otra, hay rojos que son fríos y hay rojos que son cálidos correcto? Y hay azules que son cálidos y hay azules que son fríos. Y eso lo tienes que empezar a saber, tus ojos lo tienen que empezar a aprender, lo tienen que empezar a percibir. Con la profesora cuando viajamos paran dos coches rojos y le digo mirá ese rojo tiene azul y dice si aquel tiene violeta, mirá este amarillo frío, mirá este otro cálido, claro, aquel tiene algo de naranja, este otro tiene algo de verde. Hacemos el juego constante de ponernos a prueba nuestra capacidad visual de la diferenciación.

Ahora les voy a nombrar algo muy interesante, un libro de Sarah ThorntonSiete días en la historia del arte del cual yo retome un párrafo y que luego de mi perorata podemos discutir y entrecruzar preguntas, correcto? Ella dice lo siguiente: “¿Será que la creatividad no figura en los programas de las escuelas de arte por que tácitamente se considera que ser creativo es la esencia imposible de enseñar que trae consigo todo artista?“. Dejemoslo hay.

Yo no lo voy a contestar pero voy a tratar de sumergirme en el concepto, sin responder. Todo artista la persigue como algo más de su obra, ese algo que viene del ser, esa constancia de estabilidad que necesitamos para tener diferencia, esto es la identidad, la identidad de ser artista. Ahora, esto es muy pesado, lo que plantea Thornton; por que a vos te preguntan en tu casa, Jesús Maria, vos que estudias? Arte… no, tu decís, yo ya soy artista. El artista no se construye con el papel final eh? Con el titulo final? Toma, aplausos, y te convertís en artista? No, disculpame, tenes que ir armando. Claro que es pesado, en primer semestre ya soy artista? En tercer semestre ya soy artista? Claro que es pesado, pero no importa, guardatelo, que por lo menos sientas vos con vos que vos con vos sos artista. Lo demás, como dicen los psicólogos, es lo exogeno, es lo que esta fuera de vos.

El arte pareciera que cambio la identidad por una unidad de tiempo. O sea, vos en cuanto ingresas a la escuela de bellas artes estas acumulando tiempo y ese tiempo te esta construyendo como artista, en la primera puerta y primer contacto con la escuela tu actitud debe ser voy a ser artista, ya estoy en el camino de ser artista. Ella de alguna manera con esta pregunta nos confirma lo que estamos hablando: la escuela no te enseña a ser creativo. Vos tenes que ser creativo. El profesor no puede perder demasiado tiempo en que vos interpretes la manzana, por que vos debes tener ya el caudal interpretativo y visual, él después ordenará la disposición espacial, si hay sombras o no, la proporción, el conjunto, la interacción de los volúmenes, pero vos debes traer tu pasta, si no traes tu pasta no podes estar en bellas artes.

 

 

“Entonces de pronto la escena se construye en el atrás y no en el adelante y en ese manejo de la alteralidad del manejo de la luz, Vermeer es un maestro.”

 

Maestra Claudia Hajda: Qué es la pasta? Explicales.

Qué es pasta? Pasta es eso tan intangible, es eso que esta adentro tuyo, la pasta del pianista…

Maestra Claudia Hajda: la esencia.

La esencia, la pasta el génesis, la columna, el magma, tus ganas, no sé.

Maestra Claudia Hajda: tus ganas, tu motor.

Tu motor, tu centro, tu eje… vos cuando vas a tu casa a comer el corrientazo, vos no te podes olvidar del arte, la fuente del corrientazo, leela no como comida, leela como obra de arte, a ver que pasa con tu lectura visual de las cosas. Hay que poner películas y laminas y transparencias, por que no solo los libros te van a educar visualmente, educate vos, aprende a ver. Por eso lo que mencione recién de la visión en el cine, cómo? no viste la sombra del gato que paso detrás de la puerta? No viste la sombra del cuchillo que esta por allá atrás? Por que el cineasta, o el artista plástico, te engaña con la primera piel. Te quedas con la golosina visual de la primera piel, te quedas con el beso en el cine y te quedas mirando como un pavo como los dos se están dando un beso y no sabes que es lo que te esta proponiendo en el marco el director de cine. Entonces ojo con las trampas, por ejemplo Vermeer, que es uno de los pintores y artistas que nosotros investigamos mucho, que trabaja con la oscuridad delante y la luz atrás. Entonces de pronto la escena se construye en el atrás y no en el adelante y en ese manejo de la alteralidad del manejo de la luz, Vermeer es un maestro. 

 
“Turner arriba, en la tormenta, dentro de la tormenta, o sea que vivió la tormenta, fue parte de la tormenta. Cuando vos no sos parte de lo que estas pintando, no estas pintando.”

 

Otro maestro que estudiamos muchísimo, que lo admiramos, Turner, es el maestro abstracto que abrio las puertas para esas atmósferas tan indefinidas. Turner, nos emociona, tenemos varios libros… haber estado fuera de contexto sin reconocimiento muchísimo tiempo. Hasta que el director de un museo, no se si el British, no sé cual, lo reinterpretan y lo ponen en valor otra vez, lo ponen en valor en un lugar privilegiado y merecido.

¿Cómo Turner nos demuestra qué es ser artista? Hay una anécdota de Turner. Él vivía en una ciudad portuaria que no recuerdo el nombre y él maneja muy sensiblemente los estados atmosféricos, los estados de vapor, los estados lluviosos. Entonces percibe que hay una tormenta en el horizonte y pide a un remolcador que lo lleve hacia la tormenta y lo ate al palo de arriba. El capitán pero como? Lleveme a la tormenta y ateme al palo mayor… el mástil. Y Turner arriba, en la tormenta, dentro de la tormenta, o sea que vivió la tormenta, fue parte de la tormenta. Cuando vos no sos parte de lo que estas pintando, no estas pintando. Bajo, se fue a su atelier y pinto la tormenta.

Vamos más para acá. ¿Vos como podes pintar los girasoles que pinto Van Gogh? Primero te tenes que meter entre los girasoles y segundo, ser girasol. Si vos no sos girasol, no podes pintar girasoles. Me viene a la cabeza los cóndores de Obregón. Si vos no sos cóndor y no sentis la dimensión de vuelo del cóndor como lo interpreto Obregón, no podes pintar cóndores. A ver, si yo vivo en Nueva York, no puedo pintar cóndores, no le creo al tipo que esta en Nueva York y se dedica a pintar cóndores y pájaros tropicales, no le creo. Por que tiene que haber estado dentro del lugar, sentir la humedad del trópico, la efervecencia de la naturaleza.

Pero en Manhattan, viendo la Quinta Avenida, disculpame no te creo. Esto tiene que ver con el ser, que tiene que ver con al ámbito donde te moves, o sea, el ser se construye desde múltiples lugares, tu lugar de elección, el lugar en que estas, no te preocupes, ya vas a salir hacia un lugar, ya vas a cambiar tus lugares, ya vas a armar un enroque, pero arma una gran base una estructura sólida y luego te permitis muchos lugares y muchas visiones.

Les voy a pasar ahora un vídeo que nos hicieron en Estímulo de Bellas Artes, en el cual hablo durante una clase, sobre el ser, sobre pintura abstracta. Fue muy rápido pero lo quiero compartir con ustedes.

[…] Presentación documental

Aristóteles, 384 a.C. – 322 AC, filosofo griego, un gran muchacho. El ser como sustancia compuesta por forma y materia en estado de inseparabilidad, depende de nosotros sostener esa inseparabilidad como condición del ser, esa materia interna que activa pensamiento y emoción, ese sostener es el tiempo y tiempo es ser. No podemos detener la máquina del ser, no te podes desactivar. Cuando comienza esta hermandad con el arte, este compás que es casi de forma constante y permanente. El tiempo también te aporta esa suma de instancias para conformar y para armar ese ser. Vos aun cuando no quieras ser vas a ser, porque esto no es una condición racional, no pasa por lo consciente, pasa por lo inconsciente. Vos no sabes, no te das cuenta que te estas haciendo, lo sentís, lo que se percibe son pequeños síntomas que no todos los logramos captar. El aparato perceptivo no se desarrolla en la misma dimensión, esa percepción, cuando la sentís, cuando golpea dentro de tu ser, tenes que abrirle la puerta y darte cuenta que esta sucediendo.

 

“Cuando el ser común y la pasión creadora se funden, no es que uno gano sobre el otro, sino que armamos una masa que se fusiona y automáticamente aparece el compromiso.”

 

Acá hay algo muy interesante, esta referido a la mirada del otro. Nosotros somos por que los otros nos miran. Cuidado con esto, la otredad, o sea el fuera de mi, el fuera de si, entonces, somos en la mirada del otro una presencia que confirma el ser para siempre, aunque sea intromisión del otro.

Muchas veces la mirada del otro es una intromisión o generalmente es una invasión, por que no esta previsto que alguien te mire. Lo que pasa es que se construye un vínculo visual en donde sujeto y objeto van y vienen, hay como una reciprocidad. Tiene valor por cuanto se puede decir que estamos conscientes de nosotros mismos, la mirada del otro nos despierta, nos sitúa. Esta conciencia del ser es que estamos delante de otro ser, que podemos contar, nos puede valorar y pone en cuestión lo que somos.

Carl G. Jung, psiquiatra y psicólogo suizo, 1875-1961. Dentro del artista, dice Jung, luchan dos potencias, el hombre común y la implacable pasión creadora. Esta otra vez lo que decíamos hace un rato con respecto a la suerte de halo de resonancia negativa o boicoteadora que generalmente el artista tiene que sortear. Entonces el ser artista vive con dos elementos muy fuertes, el hombre común que se baña, se viste, va a un cumpleaños, tiene madre, tiene novia, va en auto, va en bici, va al cine… y adentro el otro muchacho. Al cual vos no lo podes muchas veces socializar, por eso es muy importante en la carrera de artes estar con tus pares, con tu grupo de pertenencia. No con los muchachos de la birra, también son útiles, son bárbaros, la pasamos bien… pero tenes que hablar con los otros también, para que esa convivencia de la habla Jung no se desequilibre. No hay pretender una unidad pero si un equilibrio, un estado de temple entre los dos muchachos que llevamos adentro, los dos seres que llevamos adentro, el ser común y tener la pasión creadora por otro lado.

Lo que sucede es que pareciera que el ser común va detrás de la pasión creadora, no la quiere perder… es un termino muy fuerte, implacable pasión creadora, o sea, Jung superlativamente manda el concepto, bien arriba. O sea que el crear es un sitio muy importante y de sumo privilegio. Seguro que todos nosotros tenemos una familia común, simple, como la he tenido yo, seguro que no somos hijos de artistas, a lo mejor, tenemos un abuelo medio loco músico teatrero, o una tía que se disfrazaba, un papá que hacia sus muñecos diabólicos, por allá tenemos un titiritero, allá lejos, un abuelo alemán que se dedicaba a cantar ópera en la ventana, seguro que hay algunos vestigios, pero somos comunes, somos simples, entonces esa simplicidad la tenemos que respetar, pero también elaborar nuestras diferenciaciones, nuestro ser diferente.

Entonces cuando ambas se fusionan aparece el compromiso del artista. Cuando el ser común y la pasión creadora se funden, no es que uno gano sobre el otro, sino que armamos una masa que se fusiona y automáticamente aparece el compromiso. Este compromiso es incondicional por que no se subordina a la apariencia ni al simulacro, se presenta y se representa en su entidad del ser; es decir, vos no podes simular que sos un artista, vos no vos podes vivir de una apariencia para conseguir el papel y colgarlo en la pared. Que lastima, perdiste un montón de tiempo. No te sirve. Si no tenes realmente esta incondicionalidad dentro de tu ser creativo y dentro de tu ser artista. Vos tenes que ser sumamente incondicional, y aquí estoy rozando el tema económico, entonces, qué hago? Y cómo? Entonces no esperes que el profesor te indique que hacer por que son múltiples los lugares… si queres te los nombro, podemos hacer un recordatorio juntos, podes trabajar en cine, en teatro, en vestuario, diseño gráfico, diseño ornamental, mosaicos, gorros, remeras, podes diseñar telones, escenarios. El cirujano muere en el quirofano, el cirujano se levanta en la mañana y tiene que ir al quirofano, el artista no tiene que ir siempre al mismo lugar, por eso somos artistas, tenemos ese campo de acción, defendelo, amplialo, tomalo, mostrate, no esperes a que toquen el timbre, disculpame, tenemos esa capacidad amplia de demostrar lo que somos.

“entonces yo siempre le digo a mis alumnos, cómo llega Rembrandt a la piel de la hermana? Cómo llega a construir su rostro dentro del marco de 50 x 70? Qué, de entrada aparece la figuración? De entrada aparece la piel? De entrada aparece el brillo de la perla? De entrada esta el tratamiento del brocato y del terciopelo?”

[…]

donde se pinta por ejemplo el bodegón, la naturaleza muerta, algunos vienen con una foto y pintan un paisaje; pero como ingresas a un alumno al taller de pintura abstracta, qué le pedís? Que le solicitas? entonces acá escuchábamos muy tenue [se refiere al vídeo sobre la escuela Estímulo de Bellas Artes] que me traiga las manchas, que me traiga así sea su historia figurativa, que me traiga toda su historia pictórica y si realmente quiere entrar en el arte abstracto, seguramente entre ambos vamos a darnos cuenta, vamos a consensuar lugares en donde aparentemente esta la presencia de lo abstracto. Corre lo figuracional y rescata las partes abstractas que están dentro de tu obra, aunque sea figurativa. Por que yo me pregunto, como llega Rembrandt… y esto lo comento siempre que hacemos una visita al Museo Nacional, en donde hay una pintura de Rembrandt, de la hermana de Rembrandt, entonces yo siempre le digo a mis alumnos, cómo llega Rembrandt a la piel de la hermana? Cómo llega a construir su rostro dentro del marco de 50 x 70? Qué, de entrada aparece la figuración? De entrada aparece la piel? De entrada aparece el brillo de la perla? De entrada esta el tratamiento del brocato y del terciopelo?

A mi me gustaría haber visto a Rembrandt, como planteaba a la hermana de entrada… cuales eran los primeros trazos? Los primeros trazos son abstractos. Cuando tiras una linea, tiras una mancha, tiras un cierto color, lo difumas, o sea, empezas a construir desde el atrás hacia el adelante y tu herramienta para venir desde el atrás hacia el adelante es lo abstracto. Que luego, la culminación sea hiperrealista, figuracional, tenemos que darnos cuenta y permitir que Rembrandt respondía a su época, a su entorno y a su condición social. Cuando vos miras un artista tenes que abrir la campana, ver el entorno social, el entorno de la época, las contemporaneidades que rodeaban a ese autor, etc, etc.

Según Clive Bell, él es un critico e historiador del arte que yo lo investigo mucho. Clive Bell junto con Roger Fry armaron la primera exposición de arte moderno en el año 1910-1912 en Londres. Lógico y como era de esperar con total rechazo de la crítica, de los medios del momento, de los directores de museo, de los museos, de toda la sociedad londinense rechazando esa propuesta. Entonces, yo creo que ellos y esto es un concepto antropológico, yo creo que ellos sabían perfectamente el rechazo como ente, como parte del suceso. El arte siempre tiene un paso adelante, siempre tiene un escalón, no trabaja en una linea, en una total concordancia con el momento, se adelanta. De otro modo la Maja desnuda de Goya nunca hubiera existido, o igualmente, el retrato de la Gioconda. No es la obra mas representativa de Leonardo da Vinci, pero si es la que tuvo mayor adherencia de popularidad. La gente común habla del Leonardo de la Gioconda.

Clive Bell en un momento de sus estudios que rechaza de alguna manera al final de sus trabajos, por que el fallece alrededor de 1964, estoy hablando de trabajos de los años 38-40 referidos a Picasso. Es muy curioso lo que dice y es interesante traerlo, el dice que toda la gente sabe quien es Picasso, pero nadie conoce la obra. Mi mamá habla de Picasso, pero si yo le pongo uno al frente no sabe que es un Picasso. Entonces este aspecto colateral que tiene el arte, que es la palabra, la palabra crítica, la palabra adversa, la palabra en contra, la iglesia, los poderes del momento, siempre producen ciertas intenciones de desequilibrar al arte.

“Entonces el arte tiene estos disparadores, que de pronto si alguien paga un millón de libras como pagaron a Damien Hirts, el tiburón en formol, de pronto la obra de Damien Hirts cotiza en el mercado mundial del arte.”

 

Para eso que estoy diciendo les voy a citar la exposición de León Ferrari, que es un artista que yo conocí en el Di Tella, en los años 60-62. Actualmente tiene 85 años, vive en Argentina y su obra, que es netamente conceptual, la presento por primera vez en el Instituto Di Tella en el año 62, en un premio internacional que se instituía en dicho centro. Él presenta una obra del bombardero F-no se cuantos norteamericano y con Cristo superpuesto. En ese momento se estaba gestando la revolución de los militares y estaba como director Jorge Romero Brest, a quien Marta Traba lo menciona y lo cita mas de una vez por que ella trabajó en la revista Ver y estimar con Jorge Romero Brest, quien era el director del Di Tella… pero sigamos el hilo de León Ferrari. En ese momento tuvo que descolgar la obra por presiones el director del museo. A ver yo te pregunto, hoy, puede volver a suceder eso pero desde otro lugar. Yo creo que en el mundo del arte, estas situaciones espasmódicas y de fuerte presión externa ya no se deben considerar; el ámbito de un museo, es un ámbito privado, es un ámbito propio, es un ámbito que tiene sus propias normas y maneras. Entonces si de pronto el urinario de Marcel Duchamp estuvo en un museo fue una decisión del equipo curatorial del museo, entonces las fuerzas externas no pueden modificar la esencia del arte.

Traigamos a León Ferrari, treinta años después, cuarenta años después, hace una retrospectiva de toda su obra en el Centro Cultural Recoleta; el viejo tiene 82 años, entonces es toda una recopilación, una curaduria muy ajustada en donde muestra toda la obra de él. Y justamente él esta contra la iglesia, contra los militares, contra los diez mandamientos, contra los sacerdotes y las monjas, entonces todo el concepto de él justo al lado de la iglesia de la Recoleta. O sea, estaba el Centro Cultural y la iglesia de los recoletos justo al lado.

Imaginate lo que sucedió, clausuran la exposición… a ver, que quiere decir esto y esto lo menciona Sarah Thornton en cuanto al valor externo que puede mejorar la obra de arte, sin preverlo. De pronto todo el mundo en la ciudad de Buenos Aires hablaba de León Ferrari, todos los diarios abrias y encontrabas, “exposición del maestro León Ferrari, desarticulada, desmantelada, quisieron quemar las obras del maestro Ferrari“.

Entonces veías al viejo sentado en una confitería que esta al frente tomando un café y diciendo, qué bárbaro, ahora todo el mundo conoce a Ferrari, antes nadie me conocía de esta manera, que bárbaro. Después cuando rehabilitan la exposición, la cola llegaba hasta la confitería, entonces el decía y esta gente que pasa? No, es gente que va a ver tu obra y se reía el viejo. La gente volvió a ver la obra, no por Ferrari, no por la obra, sino para saber que era lo que habían prohibido. Entonces el arte tiene estos disparadores, que de pronto si alguien paga un millón de libras como pagaron a Damien Hirts, el tiburón en formol, de pronto la obra de Damien Hirts cotiza en el mercado mundial del arte. Entonces tenemos que tener cuidado cuando estamos formando nuestro ser, de conocer y de saber y de informarte y en lo posible de formar tu propia opinión. Cuando yo te digo, que tu opinión no se quede con vos, o dentro tuyo, que tu opinión sea compartida, que tu opinión sea hablada con un cineasta, con un chico que estudia filosofía, con el que estudia ciencias sociales, con uno que es antropologo, o sea, trata de juntarte y de tratar de armar tu estructura interna de opinión, con tus pares, con tus referentes.

“La gente volvió a ver la obra, no por Ferrari, no por la obra, sino para saber que era lo que habían prohibido.”

 

Vamos a hacer un repaso. Sostiene que lo mas importante que aprende un alumno en una escuela de arte es: cómo ser artista, o sea, como demostras que sos artista. Como lo demostras, con tu actividad, con tu carpetas, con tu investigación, con tu manejo del color, con tu búsqueda, con tu camino que estas erigiendo. Lógico que para elegir un camino tenes que conocer todas las rutas y luego elegis un camino. No podes ir a la montaña, el nevado, me gusta mejor Cartagena, Paris, no, mejor me quedo con Villa Restrepo. Tenes que armar tu camino y la elección de lugar, duele. Por que mis alumnos me preguntan, pero si siempre estoy haciendo lo mismo, no puedo cambiar? Si cambias tenes que irte del taller.

 

O sea que ser no es un fuera, es un dentro, pero su razón es el accionar, de esa nada que nos mira y evapora su mirada, dejando emerger lo que somos. O sea este párrafo es la mesa de café, la clásica mesa de café que en Argentina ha armado movimientos históricos muy importantes en el arte. Desde una mesa de café. O desde una universidad en donde se juntaban los grupos, y unos eran hiperrealistas, otros cubitas, otros performance, otros intervencionistas, otros pintando paredes y murales de manera espontanea en la ciudad. Pero todo eso se gesta no desde el estado individual sino desde un estado de vinculo con tus cercanos.

Clive dice algo muy superlativo, el arte debe considerarse como una de las actividades humanas más exaltadas y valiosas del ser. Demasiado ese nivel, se fue muy arriba, pero no importa. Pone el arte en un lugar de privilegio y como decía el señor decano, el arte definitivamente es una actividad humana, definitivamente es humanista. Ahora, claro, podemos protestar. En la segunda parte del seminario vamos a hablar de las herramientas que llevamos en las manos que las podemos llevar de varias maneras y las podemos utilizar de diferente forma.

Condición que por esencia el arte no tiene nada que ver con la emoción diaria de la cotidianidad, ni con la percepción simple de la materialidad, el arte debe encuadrarse en lo que llamamos forma significante, aquello que se desprende con la emoción estética de la obra, por color, lineas y formas y sus relaciones que nos provocan emociones, no para vivirlas sino para comprenderlas.

Este párrafo nos inclina hacia ese estado de repetición, de constancia, de profusión de imágenes, esto quiere decir que si vos te equivocas, estas haciendo. Ojo con el error, es muy importante, si vos no te equivocas, hacete ver [por el psiquiatra]. Algo te pasa, no sos infalible, ni sos superlativo, ni sos un cráneo, ni sos un genio, te estas formando como un ser creativo. Entonces, boceta, pinta con la cámara, escribite vos para vos; si pintas tenes también que escribir, tenes que ponerle palabra a tu carrera. Aunque nadie te la pida, acá las cosas en el arte no se hacen por [hacer una tarea], por un pedido, vos tenes que estar armado aunque nadie te lo pida.

Ahora voy a leer esta parte sobre el final de esta primera parte de este seminario. Howard Singerman es un ayudante de cátedra de la Universidad de Pensilvania de historia del arte y de historia de la imagen. Esto lo trae el libro de Sarah Thornton Siete días en el mundo del arte, entonces me pareció interesante y lo tome. Es autor de una atrapante historia de la educación artística en los Estados Unidos, llamada Art Subject , en donde dice que lo más importante que aprende un alumno en una escuela de arte, es cómo ser artista, cómo ocupar ese nombre, cómo encarnar esa ocupación y cómo autodenominarse artista al graduarse. Tres cosas muy fuertes para nosotros.

“Primero te tenes que meter entre los girasoles y segundo, ser girasol.”

No podes pintar una acuarela, unas nubes… cómo? Si empastas, si estas todo el día con el empaste, estas todo el día con la materia viva, como que ahora queres hacer acuarela? Esta bien que todos conozcamos las técnicas, esta muy bien que todos armemos la formación. Sin formación, no tenes camino, lógico, por supuesto, pero siempre hay una inclinación. En este salón seguro que hay, gran explosión de color, hay gran profusión de linea, hay geometría, hay mancha, hay dedicación, hay brillo, seguro, no somos todos iguales. Entonces, si alguien se empieza a diferenciar y vos te sentís que te estas construyendo de forma diferente, que estas construyendo una suerte de identidad, no de estilo, de identidad, quedate ahí, labura, investiga a los pares tuyos. Qué sos cubista? Bueno investiga un poquito, surrealista de pronto? Bueno metete por acá. Eso te va alimentando.

Entonces, contestándole a Singerman, esto nos confirma la estrecha frontera entre el ser y el hacer y su constante vecindad. 

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3 thoughts on “Ser y Hacer en el Arte

  1. Claudia Hajda says:

    Querido Carlos, muy bueno tu trabajo de recopilación y film de caracter documental, es para nosotros un honor estar en comunicación con la UT y sus estudiantes, esto activa mis centros de energía para poder seguir defendiendo el arte como herrramienta expresiva, capáz de ampliar la conciencia humana.
    los recuerdo con mucho afecto, Claudia Hajda.-

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